Em Três Pontas, falar de cooperativismo é falar da própria história de desenvolvimento da cidade. Das lavouras de café que movimentam a economia local, passando pela saúde, educação, até os serviços financeiros que apoiam famílias, empreendedores e produtores rurais, as cooperativas estão presentes no dia a dia dos trespontanos há décadas.

Agora, esse modelo de organização acaba de receber um reconhecimento histórico em nível nacional.

Entrou em vigor nesta semana a Lei nº 15.433/2026, que reconhece oficialmente o cooperativismo como manifestação da cultura nacional brasileira. A nova legislação também determina que o Estado deve garantir, apoiar e estimular a livre atividade das cooperativas, reforçando a importância social, econômica e cultural desse modelo em todo o país.

Além disso, outra mudança importante amplia o acesso das cooperativas a recursos dos fundos de desenvolvimento regional, possibilitando novos investimentos em infraestrutura, agroindústria e projetos capazes de gerar emprego, renda e desenvolvimento.

Uma conquista que dialoga com a realidade de Três Pontas

Para os trespontanos, a nova legislação tem um significado especial.

A cidade abriga cooperativas que fazem parte da construção econômica e social do município, como a Cocatrel, uma das maiores cooperativas agropecuárias do Brasil, e o Sicoob Copersul, que atua no fortalecimento financeiro de milhares de cooperados.

Mais do que movimentar a economia, essas instituições apoiam eventos, projetos sociais, educação, capacitação profissional e iniciativas que impactam diretamente a qualidade de vida da comunidade.

Reconhecimento para uma história construída em conjunto

Para o presidente do Conselho de Administração da Cocatrel, Jacques Fagundes Miari, a nova lei reforça a importância de um modelo que gera desenvolvimento por meio da cooperação.

“Além de reconhecer oficialmente sua relevância cultural e social, a legislação amplia as condições para que as cooperativas continuem contribuindo para o desenvolvimento econômico, a inclusão produtiva e a melhoria da qualidade de vida das comunidades onde atuam”, declarou.

A Cocatrel completa neste ano 65 anos de história. Atualmente, reúne mais de 9.300 cooperados, possui mais de 850 colaboradores e registrou faturamento superior a R$ 3,3 bilhões no último exercício.

Cooperar também é cultura

Para Sara Tavares, presidente do Conselho de Administração do Sicoob Copersul, o reconhecimento vai além dos números e alcança os valores que sustentam o movimento cooperativista.

“A Lei 15.433/2026 reconhece algo que vai muito além do papel econômico das cooperativas. O cooperativismo é, na sua essência, uma expressão cultural, uma forma de as pessoas se organizarem com base na solidariedade, na democracia e no bem coletivo. Esses princípios não são regras escritas num estatuto: eles moldam a maneira como nos relacionamos, como tomamos decisões, como enxergamos o desenvolvimento.

Receber esse reconhecimento em lei é ver o Estado confirmar que esse jeito de fazer juntos, com participação, com responsabilidade mútua, tem um valor cultural para o país. É uma afirmação da identidade cooperativista.

Para nós, do Sicoob Copersul, isso reforça o compromisso de viver esses princípios no dia a dia com as nossas comunidades e com cada cooperado.”

O que muda na prática?

O reconhecimento do cooperativismo como manifestação da cultura nacional fortalece institucionalmente o setor e cria um ambiente mais favorável para o crescimento das cooperativas.

Na prática, especialistas apontam alguns impactos importantes:
• Maior valorização do modelo cooperativista perante a sociedade;
• Fortalecimento de políticas públicas voltadas ao setor;
• Ampliação das possibilidades de acesso a financiamentos regionais;
• Estímulo à criação de novos projetos produtivos;
• Mais investimentos em infraestrutura, agroindústria e inovação;
• Geração de emprego, renda e desenvolvimento local.

Em um país que possui mais de 4.300 cooperativas em atividade, reúne cerca de 25,8 milhões de cooperados e gera mais de 578 mil empregos diretos, a nova legislação reconhece oficialmente algo que milhares de comunidades já vivenciam na prática: cooperar é uma forma de construir oportunidades coletivas.

A cultura de desenvolver cidades

Em Três Pontas, onde o cooperativismo está presente no campo, na saúde, na educação, nos serviços financeiros e outras áreas, a nova lei chega como um reconhecimento a uma história construída por muitas mãos.

Uma história que passa pelo café, pelas famílias produtoras, pelos empreendedores, pelos trabalhadores e por todos aqueles que acreditam que crescer junto é sempre mais forte do que crescer sozinho.

E agora, além de impulsionar a economia, o cooperativismo passa a carregar oficialmente um novo título: parte da cultura brasileira.

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A programação de abertura, nesta noite de terça-feira (28/04), é dedicada à Fase Estudantil. A partir das 19h30, alunos das redes pública e privada apresentam seus talentos em modalidades que vão além da música, incluindo literatura, desenho e fotografia.

A celebração continua ao longo da semana: amanhã (29/04) acontece a Fase Local com show da Banda da Polícia Militar ; na quinta-feira (30/04), a Fase Nacional recebe a Banda Acoustix Flashback & Rock ; e a grande final, na sexta-feira (01/05), será coroada pela energia da Batucada Tambanauê.

Sicoob Copersul: O pilar do apoio à cultura e à infância

Nesta edição, o Sicoob Copersul destaca-se como o apoiador principal e estratégico, demonstrando que sua atuação vai muito além das soluções financeiras para gerar impactos sociais positivos na região. A instituição é a grande viabilizadora da Tenda Cultural Nancy Tiso, um espaço projetado para ser um ambiente lúdico e educativo durante todos os dias do festival.

O apoio da cooperativa permite que crianças da cidade tenham acesso gratuito a uma programação diversificada na Praça Cônego Victor, com atividades que começam cedo, a partir das 8h30.

Entre os destaques patrocinados pelo Sicoob Copersul estão os espetáculos teatrais “Chapeuzinho Vermelho”, “A Galinha e o Trigo” e “A Formiguinha e a Neve”, além de diversas apresentações musicais, dança e contação de histórias. Para o Sicoob Copersul, investir nesse espaço é uma forma de fortalecer a identidade local e garantir que o conhecimento e a criatividade caminhem lado a lado para as novas gerações

Programação da Tenda Cultural Nancy Tiso

Quarta – 29/04

• 8:30 – Teatro “Chapeuzinho Vermelho”
• 9:30 – Teatro “Chapeuzinho Vermelho”
• 11:00 – Música: Ana Ardissono
• 13:30 – Teatro “Chapeuzinho Vermelho”
• 14:30 – Teatro “Chapeuzinho Vermelho”
• 16:00 – Música: Duo Doze de Sete – Vivian Peloso e Marly Tiso
  

Quinta – 30/04/2026

• 8:30 – Teatro “A Galinha e o Trigo”
• 9:30 – Teatro “A Galinha e o Trigo”
  • Participação Especial dos Alunos da Oficina de Teatro Arte & Manha
• 11:00 – Música: Pedro Freitas
• 13:30 – Teatro “A Galinha e o Trigo”
• 14:30 – Teatro “A Galinha e o Trigo”
  • Participação Especial dos Alunos da Oficina de Teatro Arte & Manha
• 16:00 – Música: Iza Morais e Mauro Marques
• 17:00 – Música: Trio Paradiso
  

Sexta – 01/05/2026

• 9:00 – Música: Corporação Musical Luis Antônio Ribeiro
• 10:00 – Bate papo sobre o livro: “As Aventuras de uma Menina Especial”
• 11:00 – Dança: Ciganas Tiso
• 12:00 – Música: Celina Brasil e TP Bossa Trio
• 13:00 – Teatro “A Formiguinha e a Neve”
• 13:15 – Teatro “Chapeuzinho Vermelho”
• 14:00 – Música: Coralzinho Trenzinho Caipira e Coral Laroc Lacov
• 14:30 – Música: Sarau
• 16:00 – Música: Chorinho com Mayke Henrique e Regional do Choro
• 17:00 – Música: Trio Paradiso
  

Programação geral

• 28/04 (terça) – Fase Estudantil, às 19h30
• 29/04 (quarta) – Banda da Polícia Militar, às 19h30 – Fase Local
• 30/04 (quinta) – Fase Nacional –  Banda Acoustix Flashback & Rock
• 01/05 (sexta) – Grande final – Batucada Tambanauê

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É a partir dessa provocação que o grupo Grupo Teatral Arte & Manha convida o público para um mergulho sensível em um dos universos mais queridos da televisão: o de Roberto Gómez Bolaños.

Uma vila que nunca deixou de existir

Entre barris, risadas e lembranças que parecem morar na memória de todos, o espetáculo “Chaves: Uma Homenagem Musical” ganha vida como uma experiência que vai além da nostalgia.

Inspirada no clássico Chaves, a montagem propõe uma releitura teatral carregada de emoção. Não é apenas uma reprodução do que já foi visto, mas uma nova história, onde memória e fantasia se encontram para contar algo maior.

E se, depois de uma vida fazendo o mundo rir, Chaves ainda precisasse provar que foi um verdadeiro palhaço?

No palco, essa pergunta se transforma em música, interpretação e sentimentos. O riso, aqui, deixa de ser apenas reação e passa a ser essência.

Uma história que fala com todas as idades

Sob a direção de Glauber Reis, o espetáculo aposta em uma narrativa delicada, que equilibra humor e profundidade.

Crianças vão reconhecer os personagens.
Adultos vão se reconhecer nas emoções.

É esse encontro de gerações que torna a proposta ainda mais especial. Afinal, poucas obras conseguem atravessar o tempo com tanta força quanto Chaves, e agora, essa força ganha uma nova forma, ao vivo, diante do público.

Cultura que nasce da cidade e emociona o público

Produções como essa reforçam um movimento importante: o fortalecimento da cultura local por meio do teatro.

Desde sua criação, o Canal UltraNativo nasceu com esse propósito, dar visibilidade ao que é feito na cidade, valorizando artistas, histórias e iniciativas que conectam pessoas .

E é exatamente isso que o Arte & Manha faz aqui: transforma um clássico mundial em uma experiência construída com talento trespontano.

Serviço

Local: Centro Cultural Milton Nascimento
Datas:

• 30 de maio, às 19h
• 31 de maio, às 17h

Ingressos:

• Com integrantes do grupo
• Pontos físicos: Loja Ganache e Natural Açaí
• Online: plataforma Sympla
  sympla.com.br/evento/chaves-uma-homenagem-musical/3359447?share_id=copiarlink&utm_source=ig&utm_medium=social&utm_content=link_in_bio&fbclid=PAZXh0bgNhZW0CMTEAc3J0YwZhcHBfaWQMMjU2MjgxMDQwNTU4AAGnM6bn0sPvrh0ahGWNK_uIsdaJSq3QBcI1fJzv3P5n2vwocmEcwi5rIOrNlNU_aem_iH6Ex8mKHur2XBKZOtm3xg&utm_id=97760_v0_s00_e0_tv3_a1dennhcq38jjm

Um convite para sentir, rir e lembrar

Mais do que assistir, o público é convidado a reviver.
Mais do que lembrar, é convidado a sentir.

Porque algumas histórias não passam. Elas apenas encontram novas formas de existir.

E, desta vez, a vila mais famosa da televisão brasileira sobe ao palco para provar que o riso, simples, verdadeiro e cheio de significado, continua sendo a maior resposta de todas.

O Canal UltraNativo estará presente para prestigiar e registrar esse momento. Mais do que acompanhar, é também uma forma de reconhecer, incentivar e fortalecer a arte que nasce aqui.

Valorizar o teatro é valorizar a própria identidade de Três Pontas, uma cidade que respira cultura em diferentes formas.

Fica aqui também o nosso reconhecimento e os parabéns a todos os envolvidos, que seguem mantendo viva a cena teatral trespontana e emocionando o público a cada novo espetáculo .

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Mais um Carnaval se aproxima. As ruas começam a ganhar cor, os grupos afinam os instrumentos, os blocos se organizam. Mas, para alguns trespontanos, o Carnaval não é apenas uma festa de quatro dias. É uma vida inteira.

O Canal UltraNativo conversou com o músico trespontano Beto Maciel, que em 2026 completa 50 anos de Carnaval. Meio século de desfiles, bastidores, trio elétrico, orquestras e memórias que se misturam com a própria história da folia em Três Pontas. E a história começa antes mesmo dele entender o que era Carnaval.

Um menino na bateria do Serrote

“Minha história com o Carnaval começou em 1974”, conta Beto. O pai, Airton Maciel, desfilava na bateria do Clube Recreativo Serrote. O menino ia junto, ainda pequeno, para assistir aos ensaios na sede do clube. Em 1976, aos 9 anos de idade, veio o primeiro desfile independente na Escola de Samba Serrote.

Mas o que mais marcou não foi apenas a avenida. Depois do desfile, enquanto a cidade ainda vibrava, ele ficava ao lado do pai, ouvindo as conversas dos presidentes das escolas no Bar Marabá, no centro. Ali se falava de enredo, de carros alegóricos, de samba-enredo, de estratégias.

“Eu vivi toda essa esfera maravilhosa. Participei dos bastidores”, lembra. Era ali que nascia algo maior do que a fantasia infantil. Nascia uma identidade.

Quando Três Pontas era um dos melhores carnavais de Minas

Beto fala de uma Três Pontas que mais do que respirava Carnaval. “Era um carnaval de muito brilho. Os hotéis ficavam lotados. Parentes vinham de outras cidades, alugavam casas só para passar o carnaval aqui.”

O Carnaval começava às 13h e só terminava às 5h da manhã. Em 1981, a cidade chegou a ter sete escolas de samba, divididas entre Grupo A e Grupo B. Além dos desfiles, havia Carnaval no Clube Trespontano, no Clube do Operário, no Garrafão, no Rancho dos Acadêmicos do Samba, na Buxarella.

Cinco salões lotados. Sete escolas. A folia tomava a Praça da Fonte, a Praça Cônego Victor, a Praça do Centenário. Um fluxo de gente que não parava.

“Três Pontas teve o privilégio de ter o título de um dos melhores carnavais de Minas Gerais”, recorda.

A TV Globo mostrava flashes das cidades de Belo Horizonte, Ouro Preto, Caxambu, Poços de Caldas. E lá estava Três Pontas.

A força da música ao vivo

Naquela época, Carnaval era sinônimo de orquestra. Instrumentos de sopro, músicos tocando 100% ao vivo, clubes contratando grandes formações. Para muitos músicos da região, aquele era o 14º salário.

“Era obrigatório ter música ao vivo. Não tinha os recursos de hoje. O músico tocava de verdade.”

E Beto cresceu nesse ambiente.

Um pai, uma guitarra e uma herança

Ao falar do pai, a voz muda. “Meu pai, Airton, tem uma representatividade fantástica para mim.”

Beto diz que ainda na gestação já ouvia os solos de guitarra do pai ensaiando para uma banda chamada Jota Massini, em São Gonçalo do Sapucaí. Anos depois, com 10 anos, conheceu os bastidores de um baile no Clube Serrote. “Meus primeiros acordes, minha primeira música, tudo devo a meu pai.” A herança não foi apenas genética. Foi vivida.

De folião a músico profissional

O salto aconteceu em 1984, em São Gonçalo do Sapucaí, na pizzaria Chopp Center, com o grupo Samba Libre. Pela primeira vez, ele não estava apenas curtindo. Estava trabalhando.

Depois vieram os trios elétricos em Três Pontas, entre 1985 e 1990. Abertura oficial do Carnaval, desfile das escolas, retorno do trio descendo a avenida até a Praça Cônego Victor, baile até às 4h da manhã e três matinês a partir das 14h.

“Era uma multidão.” Ao todo, foram 24 carnavais tocando como músico profissional — em palcos centrais de prefeituras, em salões de clubes, em trios elétricos.

Dois carnavais inesquecíveis

Entre tantos, dois marcam o coração. O primeiro, em 1976, o menino de 9 anos desfilando pela primeira vez.

O segundo, em 2005, quando foi jurado do desfile das escolas de samba. A rivalidade saudável entre a Escola de Samba Serrote e a Estudantes do Samba. A responsabilidade de julgar.

E o desfecho: o Serrote campeão. “Foi uma emoção enorme. Graças a Deus, ver a minha escola campeã.”

O que nunca pode acabar

Para Beto, a essência do Carnaval trespontano está nas escolas de samba e na figura do boi. “Jamais será esquecido.” Mas ele também reconhece os novos tempos. O modelo mudou. A proposta é diferente. E ele faz questão de elogiar a equipe do Carnavaliza TP, que hoje organiza a festa.

“Está desenvolvendo um bom Carnaval, com proposta diferente, mas muito organizado. Está no caminho certo.” Arrastões, shows, Pracinha do Centenário cheia, inovação acompanhando outras cidades. Porque tradição não é ficar parado. É continuar acontecendo.

Se pudesse falar com aquele menino…

Perguntamos a Beto o que diria ao menino de 9 anos descendo o Serrote, em 1976. Talvez ele não precise dizer nada.

Porque aquele menino ouviu as conversas no Bar Marabá. Prestou atenção nos enredos. Sentiu a vibração da bateria. Aprendeu com o pai. Cresceu dentro da música. E hoje, 50 anos depois, ele carrega na memória a prova de que Carnaval não é só fantasia e confete.

É herança. É identidade. É cidade. E enquanto houver alguém disposto a contar essas histórias, o Carnaval de Três Pontas nunca será apenas passado.

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No coração do Carnaval carioca, entre salões históricos, flashes e referências que atravessam décadas, um nome de Três Pontas ecoou com elegância: Marina Zanetti. A trespontana marcou presença no Baile da Vogue, um dos eventos mais emblemáticos da moda brasileira — e também um dos mais observados do mundo quando o assunto é criatividade, identidade e narrativa estética.

Realizado no tradicional Copacabana Palace, o Baile da Vogue 2026 reuniu cerca de 1.600 convidados entre artistas, modelos, estilistas, influenciadores e personalidades que ajudam a escrever, ano após ano, a história da moda nacional. Com o tema “Carnavália: O Abre-Alas Fashionista da Folia”, a edição deste ano propôs uma imersão no Carnaval como linguagem cultural, visual e simbólica — um convite para revisitar o passado com os olhos do presente.

Um baile, muitas histórias — e uma delas nasce em Três Pontas

Foi dentro desse contexto que Marina Zanetti construiu sua presença. Inspirada nos carnavais antigos, daqueles que misturavam rua e salão, marchinhas e luxo, a trespontana levou para o Baile da Vogue um olhar que une memória, sofisticação e identidade. Um visual que não apenas veste, mas narra.

O look usado por Marina Zanetti no Baile da Vogue 2026 é uma composição que equilibra o drama do Carnaval com a sofisticação dos antigos salões cariocas. Assinado pelo estilista Vitor Zerbinato, o vestido tomara que caia em preto profundo apresenta uma silhueta estruturada e imponente, remetendo aos grandes bailes da década de 1920.

Confeccionado em tecido nobre, o modelo reflete a luz de forma sutil e é pontuado por delicadas aplicações que lembram pérolas ou cristais, criando um efeito de céu estrelado — quase como se o brilho da folia estivesse costurado ao tecido. O visual ganha força com luvas longas de veludo preto, referência direta à elegância dos anos 1920, e com joias assinadas por Marisa Clerman, que complementam o brilho com precisão.

O grande destaque da produção é o adereço de cabeça criado por Eduardo Caires, uma estrutura prateada vazada, cravejada de cristais, que emoldura o rosto e se projeta para o alto como uma coroa carnavalesca. A beleza, assinada por Gabriel Bittencourt, aposta em cabelos totalmente presos e acabamento polido, permitindo que o colo e o acessório assumam o protagonismo.

O resultado é um visual que traduz a passagem do palco para a avenida, unindo a opulência europeia do veludo ao movimento, à liberdade e ao espírito do Carnaval brasileiro.

Da Austrália aos grandes salões da moda

A presença de Marina Zanetti em um evento desse porte não é acaso. Nascida em Três Pontas, ela construiu uma trajetória sólida no universo da moda e da imagem. Aos 16 anos, partiu para um intercâmbio na Austrália, onde viveu por quase seis anos, se formou em Business and Hotel Management pelo International College of Management Sydney e teve seu primeiro contato profissional com o varejo de moda.

Depois, veio Londres e o Istituto Marangoni, onde estudou Consultoria de Imagem. De volta ao Brasil, Marina se consolidou como buyer e gestora em um dos maiores grupos multimarcas do interior paulista, além de iniciar, ainda em 2010, sua carreira digital — hoje reconhecida nacionalmente.

Atualmente, integra o time de influenciadoras da plataforma Fhits e é referência em lifestyle, moda e imagem, mantendo uma presença que combina repertório internacional, sensibilidade estética e identidade brasileira.

Quando o passado encontra o presente

Em sua própria legenda nas redes sociais, Marina descreveu o look como um atravessamento de tempos: o carnaval de rua e o glamour dos salões, a herança e o agora, a opulência e o gesto. Uma leitura que traduz, com precisão, o espírito do Baile da Vogue e o papel que a moda exerce como linguagem cultural.

Mais do que um vestido, o que se viu foi um posicionamento. Uma trespontana ocupando, com legitimidade e poesia, um dos palcos mais simbólicos da moda brasileira.

Orgulho que atravessa fronteiras

Para Três Pontas, a presença de Marina Zanetti no Baile da Vogue representa mais do que visibilidade. É a confirmação de que histórias que nascem no interior podem, sim, ocupar os grandes centros, dialogar com o mundo e manter suas raízes vivas.

Porque quando o passado e o presente dançam juntos, o espetáculo se anuncia — e o orgulho também.

Equipe do look

Foto e vídeo: @joaorisso_
Styling e direção criativa: @mullerantonio
Make e hair: @gabrielbittencourt_
Assistência de produção: @mi_davila
Estúdio: @meninos.na.casinha
Calçado: @paulatorresbrand
Vestido: @vitorzerbinato
Joias: @marisaclerman
Cabeça: @eduardocaires

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Nem tudo o que nasce em Três Pontas precisa ser novidade para ser relevante.
A Curadoria Nativa surge exatamente desse entendimento: revisitar obras, músicas, livros, projetos e criações de trespontanos que já foram lançados, mas que ainda carregam sentido, verdade e potência. É um espaço de resgate. Uma prateleira afetiva onde o tempo não é inimigo, é parte da obra.

E estreamos com uma canção que fala justamente sobre isso: estar no presente, mesmo quando tudo parece indefinido. É com Holiday Blues que inauguramos a Curadoria Nativa.

Holiday Blues, de Rodney Braga

Natural de Três Pontas, Rodney Braga carrega a música como presença constante desde cedo. O baixo e o violão não entraram na vida dele como escolha pontual, mas como extensão do próprio existir. Graduado em Administração de Empresas no Brasil e em International Business na Irlanda, Rodney vive em território irlandês desde 2018 e atua profissionalmente como músico desde 2019.

Entre mudanças de país, idiomas e rotinas, algo nunca deixou de acompanhá-lo: a música como lugar de permanência.

Entre dois mundos

Em maio de 2021, após meses de isolamento social, a Irlanda suspendeu as restrições de deslocamento interno. Para muitos imigrantes, aquele momento trouxe liberdade. Para Rodney, trouxe também uma pergunta silenciosa, mas profunda: ficar ou voltar?

Dividido entre a permanência na Irlanda, com sonhos ainda em construção, e o retorno ao Brasil, território do afeto e do conhecido, ele partiu com amigos para o Rings of Kerry, no condado de Kerry, na costa sudoeste irlandesa. A viagem tinha um objetivo simples: buscar clareza. O que encontrou foi atravessamento.

As montanhas, o mar, o silêncio e a história presente na paisagem criaram um espaço raro de escuta interna. Foi ali, nesse encontro íntimo com a natureza e consigo mesmo, que nasceu Holiday Blues.

Uma canção sobre estar, não sobre chegar

Gravada no histórico Windmill Lane Recording Studios, em Dublin, estúdio que já recebeu nomes como The Rolling Stones, U2, AC/DC, Van Morrison e tantos outros, Holiday Blues foi lançada em outubro de 2024.

A canção é um retrato sensível da travessia pela incerteza. Não oferece respostas prontas. Não tenta resolver o mundo. Ela propõe algo mais raro: aceitar o presente como ele é.

Holiday Blues fala sobre encontrar beleza no simples ato de existir, mesmo quando tudo parece instável. Sobre compreender que algumas respostas só chegam quando a gente para de procurá-las.

É uma música de pausa. De respiração. De permanência no agora.

Quem construiu esse som

A gravação contou com músicos que ajudaram a dar corpo, textura e emoção à canção:

• Rodney Braga — compositor, letrista, produtor e baixo
• Miguel Brasil — piano
• Christian Miller — guitarra
• Ella Mieri — vocal
• Jonathan Krasuski — bateria

Holiday Blues foi gravada com a banda Steely Fingers e está disponível em todas as plataformas digitais, como Spotify, YouTube e Amazon Music.

O que vem depois

Rodney segue compondo canções que dialogam com suas experiências pessoais, com a natureza, com o amor e com a dádiva silenciosa de estar vivo. Atualmente, se apresenta semanalmente em pubs de Dublin, além de tocar em casamentos e eventos privados. Há novos projetos em andamento e a previsão de lançamento de um novo single ainda este ano, em colaboração com músicos residentes na capital irlandesa.

Resgatar Holiday Blues é lembrar que Três Pontas também ecoa fora do município. Que nossas histórias atravessam oceanos. E que algumas músicas não pertencem a um momento específico. Elas pertencem a quem precisa ouvi-las.

A Curadoria Nativa está aberta. E essa é apenas a primeira obra na prateleira.

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No som da viola caipira, ainda menino, Danilo Santos já ensaiava o que viria a ser sua vida inteira. Aos nove anos, acompanhando o bisavô nas manifestações da Folia de Reis, ele descobriu que a música não seria apenas um talento, mas um destino. Hoje, depois de anos de estrada, palcos lotados e amadurecimento artístico, o músico trespontano vive um momento de transição. Um tempo de conexão profunda com a cultura popular e, ao mesmo tempo, de preparação para um voo solo.

O Canal Ultranativo conversou com Danilo Santos sobre essa nova fase, que passa pelo Carnaval ao lado da Batucada Tambanauê e desemboca em um projeto autoral que promete levar ainda mais longe o nome de Três Pontas.

Da Folia de Reis aos palcos profissionais

A relação de Danilo com a música nasce no chão da tradição. Foi na Folia de Reis, tocando viola ao lado do bisavô, que ele criou consciência do caminho que queria seguir. Com o tempo, outros estilos foram se somando à bagagem, ampliando a forma de enxergar a música como linguagem e diálogo.

Em 2015, veio o início da estrada profissional com a Banda Exta’Z. Um período intenso, que marcou não apenas sua carreira, mas sua formação humana. “Foi ali que entendi a música como ofício, compromisso e responsabilidade”, relembra. A rotina da estrada ensinou sobre disciplina, respeito ao palco, convivência e entrega, mesmo nos dias em que a inspiração não bate à porta.

A batucada como reencontro com a essência

A conexão com a Batucada Tambanauê não é recente, mas ganhou força agora, em um momento decisivo da trajetória do artista. O convite para seguir com o grupo até o fim do Carnaval veio de Helbert Gama e Gabriel de Brito (Bibi), fundadores do projeto, e encontrou Danilo mais consciente de sua musicalidade e aberto a novas formas de expressão.

O que o conecta à batucada é mais do que ritmo. É ancestralidade. É coletividade. “A Tambanauê não é só som, é história e identidade popular”, define. Para ele, estar nesse ambiente é se reconectar com uma raiz profunda da música brasileira, aquela que nasce do corpo, da rua e da comunidade.

Musicalmente, a experiência chega como um encontro preciso. A vivência com a percussão amplia a consciência rítmica e dialoga com uma fase mais madura, em que menos excesso e mais intenção passam a guiar suas escolhas artísticas.

Representar Três Pontas é responsabilidade e pertencimento

Levar o nome de Três Pontas para fora sempre foi algo presente na trajetória de Danilo. Agora, ao integrar um movimento que carrega a identidade da cidade por onde passa, esse sentimento se intensifica. “É devolver à cidade um pouco do que ela me formou”, afirma.

Crescer em um lugar onde a música é identidade deixa marcas profundas. A referência de nomes como Milton Nascimento cria inspiração, mas também responsabilidade. Três Pontas, para Danilo, é mais que cenário. É matéria-prima.

Um novo ciclo: a carreira solo

Após o Carnaval de 2026, começa oficialmente um novo capítulo. A carreira solo vinha sendo amadurecida há cerca de um ano, até se transformar em decisão consciente em 2025. Mais do que ruptura, é continuidade em outra forma. Um caminho de escuta interna, liberdade criativa e aprofundamento artístico.

Nos palcos, o público ainda reconhecerá a entrega e a presença de sempre, mas com nova roupagem e identidade musical. Paralelamente, o foco se volta também para os festivais pelo Brasil, com canções autorais que exploram o regional, a viola e o interior. O sonho é fortalecer o nome na cena, buscar reconhecimento e ampliar a relevância da música trespontana pelo país.

Já há material em fase de lançamento e uma nova canção sendo gravada, pensada especialmente para circular nos festivais. Um período de construção intensa, criatividade aflorada e muitos caminhos se abrindo.

Olhar para frente sem apagar o que ficou

Para quem acompanhou outras fases, Danilo deixa uma mensagem clara: nada se perde. Tudo se soma. “Essa nova etapa nasce do amadurecimento”, diz. Um convite para caminhar junto em uma versão mais autoral, consciente e verdadeira.

Quando projeta o futuro, ele evita pressa. Prefere estar inteiro no presente, construir com humildade, paciência e honestidade musical. E, acima de tudo, manter vivo aquilo que o trouxe até aqui: o amor pela arte, a sede de criação e o brilho nos olhos de quem ainda acredita no poder transformador da música.

O post Entre a raiz e o novo caminho: Danilo Santos vive o Carnaval com a Batucada Tambanauê e inicia fase solo apareceu primeiro em Canal Ultranativo.

O que começa no palco, muitas vezes nasce do encontro, da sintonia e da estrada compartilhada. No caso de Lidy e Wallace, essa conexão ganhou agora um novo capítulo: o lançamento de “Embalar no Carnaval”, a primeira música autoral da dupla, apresentada ao público junto com clipe oficial e a estreia do canal próprio no YouTube.

Conhecidos por animar festas, eventos e, principalmente, o Carnaval de Três Pontas e da região, Lidy e Wallace transformaram uma pergunta simples em motivação criativa. Após um show na Avenida, durante o Carnaval do ano passado, a dupla foi questionada sobre qual seria a “música de trabalho” deles. A resposta veio acompanhada de um incômodo produtivo: ainda não existia uma canção que representasse oficialmente a identidade da dupla.

“Ali a gente percebeu que, mesmo trabalhando com música autoral em festivais, ainda faltava uma música nossa, com a nossa cara, para o Carnaval”, contou Lidy em conversa com o Canal UltraNativo.

Uma escolha com identidade: o axé e o Carnaval

Versáteis por natureza, Lidy e Wallace transitam com facilidade por diversos estilos musicais, do sertanejo ao rock, do pagode à MPB. Mas quando chegou o momento de compor, a decisão foi clara: escolher o estilo que mais conecta a dupla ao público e ao palco.

O axé surgiu naturalmente. Não como tendência, mas como vivência.

“É o estilo que a gente mais gosta de trabalhar junto e que tem um público que apoia muito. Pensamos em uma música que tivesse tudo a ver com o Carnaval, com o trio, com o cortejo nas ruas”, explica Lidy.

Assim nasceu “Embalar no Carnaval”, composta pelos dois. A letra é assinada por Lidy, e a construção musical foi feita em parceria, refletindo a cumplicidade que marca a trajetória da dupla.

Produção fora, raiz Trespontana

A música foi gravada no Guizz Studio, em Paraguaçu, enquanto o clipe teve produção assinada pela Subfilm Audiovisual, de Boa Esperança. Apesar da produção envolver profissionais de fora, a essência permanece local.

O clipe conta com a participação dos músicos que acompanham a dupla, todos de Três Pontas, reforçando o caráter coletivo e afetivo do projeto.

“Mesmo tocando fora, a banda é daqui, o Carnaval é daqui e o público que a gente pensa primeiro é o de Três Pontas”, comenta Lidy. “A gente deixa a agenda aberta para Três Pontas porque a gente sempre tem uma resposta positiva do público, além do carinho e organização do Carnavaliza TP, que a gente sente que é recíproco.”

Carnaval como casa e compromisso

Se existe um período do ano que ocupa lugar especial na agenda da dupla, esse período é o Carnaval. Lidy e Wallace mantêm uma relação próxima com a organização do Carnaval de Três Pontas e fazem questão de priorizar a cidade.

Neste ano, além dos tradicionais shows, a dupla traz um spoiler do desafio que vão enfrentar: dois cortejos, experiência inédita para eles.

“Já fizemos show na Pracinha do Centenário, na Avenida, mas o cortejo será a primeira vez. E a música tem tudo a ver com esse clima de rua, de proximidade com as pessoas”, comenta Lidy.

A expectativa é que “Embalar no Carnaval” seja rapidamente absorvida pelo público, cantada, dançada e levada para a avenida, para o trio e para as ruas.

Uma trajetória construída em parceria

A história de Lidy e Wallace começa muito antes da dupla existir oficialmente. Os dois se conheceram ainda crianças, no Conservatório Municipal de Música Gileno Tiso, e carregam uma amizade que atravessa décadas.

Wallace iniciou sua trajetória musical em 2001, passando por bandas e projetos solo. Lidy começou em 2005 como vocalista de banda baile. A parceria se consolidou em 2019, com um projeto em homenagem a Sandy e Junior, onde a química no palco deixou claro que havia algo maior ali.

Mesmo durante a pandemia, a dupla se manteve ativa, realizando lives e mantendo o vínculo com o público.

Agora, com a primeira música autoral oficialmente lançada, Lidy e Wallace inauguram uma nova fase. Uma fase que nasce do Carnaval, da rua, do público e da vontade de transformar alegria em música.

“Faltando um mês para o Carnaval, a nossa expectativa é que o pessoal aprenda a música, compartilhe, e chegue nos dias de festa com a letra na ponta da língua e nos pés, pra dançar junto com a gente”, finaliza Lidy.

“Embalar no Carnaval” já está disponível nas plataformas digitais, com clipe oficial no YouTube.

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No fundo das arquibancadas que já viram noites históricas, entre bandeiras gastas pelo tempo e memórias que atravessam gerações, o Três Pontas Atlético Clube volta a ser protagonista. Não somente dentro das quatro linhas, mas também na tela. Já está no ar o documentário “Com o T.A.C., onde estiver o T.A.C.”, uma produção que revisita quase um século de história, paixão e pertencimento do clube que se confunde com a identidade de Três Pontas.

A estreia aconteceu no domingo, 11 de janeiro, às 11h, no YouTube, pelo canal oficial @TACTresPontas. Desde então, o filme produzido pela Marginalia Filmes segue disponível para quem quiser entender por que, em Três Pontas, futebol nunca foi apenas futebol.

Um clube que carrega a cidade no peito

O documentário parte de um ponto simples e poderoso: o TAC é parte da formação emocional de Três Pontas. A narrativa costura depoimentos de ex-jogadores, dirigentes, torcedores e personagens que viveram o clube em diferentes épocas. Cada fala revela não apenas resultados ou estatísticas, mas histórias de vida moldadas pelo vermelho, preto e branco.

Fundado há quase 100 anos, o Três Pontas Atlético Clube disputou todas as divisões do Campeonato Mineiro, enfrentou grandes equipes do estado e transformou o Estádio Ítalo Tomagnini em palco de jogos memoráveis.

Noites inesquecíveis e feitos que viraram lenda

Entre os momentos resgatados, há passagens que fazem os olhos dos torcedores brilharem. Um deles é o título invicto de 1959, lembrado por quem viveu aquela época de perto, quando o TAC era sinônimo de força e organização.

Outra cena marcante é o jogo contra a URT de Patos de Minas, em uma quarta-feira à noite, que levou mais de 5 mil pessoas ao estádio — um público que muitos clubes profissionais sonham em alcançar.

O documentário também relembra histórias que beiram o lendário, como a de Sérgio Japonês, jogador do TAC em 1969, apontado por torcedores como o homem que teria ensinado o drible “elástico” a Rivelino, craque histórico do Corinthians e da Seleção Brasileira. Um orgulho que atravessa décadas e coloca Três Pontas no mapa das grandes histórias do futebol brasileiro.

O filme também destaca nomes que vestiram a camisa do TAC após carreiras de alto nível. Um deles é Jairo, goleiro com passagem pela Seleção Brasileira e pelo Corinthians, que escolheu o clube trespontano para encerrar sua trajetória profissional. Para muitos, a presença de atletas desse calibre simboliza o respeito que o TAC conquistou no cenário estadual.

Há ainda relatos sobre gols raros, como um gol olímpico marcado no retorno do clube em meados de 2004/2005, e partidas decididas “no apagar das luzes”, que consolidaram títulos e eternizaram campanhas.

Muito além das quatro linhas

Um dos pontos mais fortes do documentário é mostrar que o TAC sobreviveu porque se reinventou. Hoje, o foco está nas categorias de base, vistas não apenas como um caminho esportivo, mas como um projeto social.

As conquistas recentes do Sub-13, Sub-15 e Sub-17, incluindo títulos da Copa Alterosa e participações em competições nacionais como o Brasileirinho Sub-13, reforçam que o clube segue formando atletas e cidadãos.

Mais do que revelar talentos, o TAC cumpre um papel social claro: tirar jovens das ruas, oferecer disciplina, saúde e perspectiva de futuro.

Desafios, união e o sonho de voltar ao profissional

O documentário não romantiza os desafios. Pelo contrário. Mostra que, atualmente, o clube é mantido por uma diretoria enxuta, que trabalha para resgatar a marca TAC, buscar parcerias com empresas e construir pontes com o poder público.

O retorno ao futebol profissional é tratado como um sonho possível, mas que depende de união: torcida, empresários, prefeitura e comunidade. O filme reforça que o TAC nunca foi sustentado apenas por dinheiro, mas pelo amor à camisa — um sentimento que atravessa gerações.

“Com o TAC, onde estiver o TAC”

A frase eternizada pelo saudoso Rui Quintão e que dá nome ao documentário resume tudo. O TAC é herança de família, memória afetiva, identidade coletiva. É o clube que, mesmo nos períodos de silêncio, nunca deixou de existir no coração dos trespontanos.

Ao final, fica a sensação de que o Leão do Sul segue vivo. Às vezes em campo, às vezes na base, às vezes na lembrança. Mas sempre presente.

O documentário “Com o T.A.C., onde estiver o T.A.C.” já está disponível no YouTube, no canal @TACTresPontas.

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Estão abertas as inscrições para o 2º Curta Varginha – Mostra de Cinema e Cultura, iniciativa que amplia o acesso à produção cinematográfica nacional e reafirma a cultura como política pública, direito social e ferramenta de formação cidadã.

Com inscrições gratuitas, o evento recebe curtas-metragens até 15 de fevereiro de 2026. A programação da mostra acontece entre 13 e 15 de março de 2026, com atividades abertas ao público e realizadas em espaços públicos da cidade.

Um festival com foco em acesso, formação e diversidade

O Curta Varginha é uma mostra não competitiva, dedicada à exibição e difusão de curtas-metragens brasileiros com até 25 minutos de duração, finalizados a partir de julho de 2023. A proposta vai além das sessões de cinema: o evento também promove oficinas, debates e apresentações musicais, aproximando realizadores, público e agentes culturais.

A iniciativa é realizada pela Braia Produções, com recursos da Lei Paulo Gustavo, política nacional de fomento criada para fortalecer o setor cultural após os impactos da pandemia, em articulação com o Ministério da Cultura e apoio do município de Varginha.

Curadoria temática e compromisso social

A linha curatorial do 2º Curta Varginha mantém os eixos que marcaram a primeira edição e ampliam o debate sobre identidade, memória e representatividade no cinema brasileiro:

• Memória, Identidade e Cultura
  Obras que dialogam com tradições, histórias locais, saberes populares e processos identitários.
• Mulher Preta no Cinema
  Sessão dedicada a filmes dirigidos, roteirizados ou produzidos por mulheres negras, reafirmando o compromisso da mostra com diversidade, inclusão e equidade racial no audiovisual.
• Infantojuvenil
  Sessões vespertinas com filmes voltados ao público jovem, abordando pertencimento, território e memória de forma acessível e formativa.

UFO, ficção científica e o imaginário de Varginha

Cidade marcada nacionalmente pelo episódio ufológico dos anos 1990, Varginha também abre espaço para o cinema de ficção científica e temáticas extraterrestres. A organização convida realizadores com obras inspiradas no universo ufológico a se inscreverem para exibições especiais e debates, ampliando o diálogo entre cultura pop, cinema e identidade local.

Cinema gratuito e ocupação do espaço público

Todas as atividades do Curta Varginha são gratuitas. As exibições em praça pública reforçam a proposta de democratização do acesso à cultura, transformando o espaço urbano em lugar de encontro, reflexão e circulação de ideias.

Além de fomentar o audiovisual, o festival contribui para a formação de público, o incentivo a novos realizadores e a valorização da economia criativa local, dialogando diretamente com políticas culturais contemporâneas.

Como se inscrever

As inscrições estão abertas de 4 de janeiro a 15 de fevereiro de 2026. Podem participar realizadores brasileiros com filmes de ficção, documentário, animação, experimental ou infantojuvenil.
O edital completo, critérios e formulário estão disponíveis no site oficial da mostra: https://curtavarginha.braiaproducoes.com.br/

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Mas, entre todas as homenagens anunciadas, é impossível não destacar aquela que toca diretamente a identidade cultural do Sul de Minas: o reconhecimento a Milton Nascimento, artista que levou o nome da região para o mundo.

Bituca: de Três Pontas para a história da música brasileira

Nascido no Rio de Janeiro e criado em Três Pontas, Milton Nascimento construiu uma trajetória que ultrapassa o rótulo de “ícone da MPB”. Sua obra ajudou a moldar o imaginário cultural de Minas Gerais e se tornou referência para pesquisadores, músicos, universidades e movimentos culturais no Brasil e no exterior.

Ao homenagear Milton, a UFLA reafirma o peso artístico, social e histórico de uma produção que marcou gerações. Suas composições atravessam temas como afeto, resistência, espiritualidade, identidade e coletividade — e seguem despertando novas leituras mais de seis décadas após o início de sua carreira.

A relação entre Milton e a instituição também já tem um capítulo importante: em 2014, Bituca se apresentou no câmpus da UFLA durante a Semana de Ciência, Cultura e Arte, quando a universidade celebrou seu 106º aniversário. Agora, seu nome retorna ao mesmo espaço em forma de reconhecimento institucional máximo.

Por que o título de Honoris Causa importa?

O título de Doutor Honoris Causa é a mais alta honraria concedida pela UFLA e reconhece personalidades que contribuem de forma marcante para o país. No caso de Milton Nascimento, a homenagem reforça um reconhecimento que já atravessa instituições do Brasil e do mundo. Ao longo de sua carreira, o artista recebeu diversos títulos honoríficos — entre eles, da UFOP (2000), UEMG (2012), Berklee College of Music (2016), UFVJM (2024) e Unicamp (2025) — evidenciando o impacto social, estético e cultural de sua obra. A aprovação da UFLA soma-se a essa trajetória de distinções e reafirma a importância de Bituca como referência acadêmica, cultural e humanista para diferentes gerações. Para a universidade, homenagear Milton é reconhecer que sua atuação extrapola o palco e contribui para a formação crítica, sensível e plural que a instituição defende.

Outros homenageados

Além de Milton, receberam o título de Doutor Honoris Causa:

• David Feffer, presidente do Conselho da Suzano S.A., por sua atuação em inovação, sustentabilidade e impacto socioambiental;
• Nélson Roberto Araújo, jornalista do Globo Rural, reconhecido por seu trabalho na comunicação voltada ao campo e à cultura rural brasileira.

As três homenagens reforçam a missão da UFLA de valorizar trajetórias que transformam o país em diferentes dimensões. A sessão solene de entrega dos títulos será realizada em data ainda a ser anunciada pela universidade. O ato será assinado pelo reitor da UFLA, José Roberto Soares Scolforo, institucionalizando Bituca — já imortal pela música — como parte da história acadêmica da universidade.

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Agora, o artista se prepara para encerrar esse ciclo: o último bloco do projeto será lançado no dia 28 de novembro, marcando também 21 anos de carreira dedicados à música brasileira, ao samba e ao pagode com sotaque mineiro. O Canal Ultranativo conversou com o músico para saber de onde surgiu esse projeto.

Uma trajetória construída no palco e na alma mineira

Natural de Três Pontas (MG), filho de Seu Nego e Dona Lourdes, Jota J começou a cantar profissionalmente ainda em meados dos anos 2000, em grupos de samba e pagode que se apresentavam em bares e festivais de Minas e da capital. Com o tempo, consolidou-se como uma das vozes mais queridas do Sul de Minas, acumulando experiências, composições e uma relação próxima com o público.

Em 2017, lançou seu primeiro single solo, “Pipoca e Filminho”, abrindo caminho para uma sequência de sucessos autorais, como “Coisas da Vida”, “Minha História” e “Quebrou a Banca” — esta última, gravada também no Pontalete com apoio da Lei Paulo Gustavo. Desde então, vem lançando faixas com identidade leve, romântica e popular, mesclando o pagode contemporâneo à sonoridade mineira.

Jota J ‘Ao Vivo’: Um projeto nascido à beira de Furnas

A ideia do projeto Ao Vivo surgiu da vontade de registrar a essência do artista no ambiente onde ele se sente em casa. “Eu queria um lugar que tivesse alma, que respirasse amizade e celebração. O Pontalete tem isso — um astral único, e o Rústico completou esse clima com sua decoração acolhedora”, contou Jota J.

O projeto, que se desenrolou em três blocos anteriores e um single inédito, o contagiante “Quebrou a Banca”, agora chega ao seu desfecho com regravações e arranjos exclusivos, revisitados sob uma ótica afetiva e madura.

“Esse último bloco é a síntese de tudo o que vivi desde 2003. Reúne músicas que marcaram gerações e artistas que me inspiraram nesses 21 anos”, revela o cantor.

Para montar o repertório final, Jota J e o produtor Thiago Ferreira Keys (Victory Music) começaram com mais de 50 canções — peneiradas com calma até chegar às 12 faixas que compõem o projeto “Ao Vivo” completo. “Regravar é difícil, exige personalidade e verdade. A gente buscou faixas que tivessem ligação com a minha história e com o que o público mineiro viveu junto comigo. Coisas que têm a ver comigo, com a minha realidade”, explicou.

O último bloco encerra com uma versão ao vivo de “Coração Bobo”, uma das faixas mais queridas da trajetória do cantor.

Bastidores, parcerias e som de Minas

Produzido sob o selo ST Music (São Paulo), com direção de Thiago Ferreira Keys e apoio da Meneguíti Divulgações (Ouro Preto), o projeto “Ao Vivo” também contou com a participação de músicos de Três Pontas — o que reforça o elo afetivo entre o artista e a cidade onde tudo começou.

“É um projeto que representa consolidação e gratidão. Fizemos com calma, com qualidade e com a emoção de quem sabe o valor de cada etapa”, diz Jota J, que celebra o apoio técnico e artístico recebido durante o processo.

A recepção do público vem sendo calorosa. Somando os blocos anteriores, o artista já ultrapassou 120 mil plays orgânicos no Instagram, com destaque em páginas especializadas do Nordeste – região que tem recebido muito bem as músicas do trespontano – além de grandes páginas do cenário do pagode nacional.

Mas mais que números, são histórias que marcam. Jota J se recorda de um momento em especial, quando uma fã o abordou em Varginha após ouvir “Quebrou a Banca”. “Ela me disse que a música a inspirou a romper um relacionamento abusivo. Isso me tocou profundamente. A música, quando chega com verdade, muda destinos”, contou emocionado.

O amadurecimento e os novos passos

O cantor lembra o início da carreira com um sorriso leve: “Já vendi carro, peguei empréstimo, fiz de tudo pra gravar. Hoje sigo com o mesmo coração, mas com mais razão.”

Sobre os próximos passos, ele garante que novidades vêm aí. “Sou compositor e adoro canções inéditas. Tenho músicas novas que quero lançar no primeiro semestre de 2026. Eu não fico parado — isso aqui me move.”

Mais do que um projeto, “Jota J Ao Vivo” é uma celebração da estrada, do público e das águas que refletem Três Pontas e o Sul de Minas. É o som que nasceu nas rodas de pagode e amadureceu com o tempo — mas ainda traz o mesmo brilho de quem canta por amor.

No dia 28 de novembro, esse ciclo se completa. Dê o play, sinta e compartilhe: o pagode mineiro está mais vivo do que nunca.

Onde ouvir e acompanhar

• Lançamento do último bloco Jota J “Ao Vivo”: 28 de novembro de 2025
• Gravação: 100% feita no Pontalete, com captação final no Rústico Bar
• Selo: ST Music (SP)
• Pré-save: já disponível nas plataformas digitais
• Spotify / YouTube: Jota J
• Contratações de shows: (35) 9 9744-7554 — festas, casamentos e eventos corporativos

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“Essa música percorreu muitos caminhos durante a turnê, e eu quis deixá-la respirar em outro ambiente sonoro, mais popular, mais urbano”, conta Natashha. O remix, produzido em parceria com o DJ Pejota, chega às plataformas no dia 3 de novembro e traz uma nova energia: uma mistura de emoção e batida quente, fundindo a força do funk com a poesia da saudade.

O Canal Ultranativo conversou com a artista para saber um pouco mais sobre o álbum Bar da Saudade, o lançamento do remix e próximos projetos.

Entre o violão, a poesia e as estradas mineiras

Antes do remix, Natashha já vinha desenhando uma trajetória marcada pela delicadeza das letras e a força das interpretações. Formada entre palcos pequenos, saraus e produções independentes, ela construiu sua identidade artística inspirada nas raízes mineiras, na música popular brasileira e em referências que vão de Milton Nascimento a Céu.

No seu álbum Bar da Saudade, lançado em 2023, é uma obra de transição: um retrato da vulnerabilidade e do amadurecimento. As canções transitam entre o amor, a perda e o reencontro consigo mesma, embaladas por violões suaves e arranjos que mesclam o regional e o urbano. O trabalho abriuu caminho para a turnê que percorreu São João del-Rei, Ouro Preto e Belo Horizonte.

“Remix de Bar da Saudade é um encontro entre mundos”

O remix de Bar da Saudade dialoga com o público de forma diferente. Natashha explica que o processo de repensar a faixa foi também um exercício de escuta — e de coragem. “O remix tem uma pegada MTG funk, um ritmo pulsante que traz o corpo pra dança. Eu quis explorar essa outra cultura musical, entender como a linguagem do funk — nascido nas periferias e carregado de resistência — poderia conversar com a minha música. É um encontro entre mundos, mostrando que sentimentos profundos também podem se expressar na energia coletiva.”

Esse trânsito entre o íntimo e o popular tem sido a marca da artista, que se reinventa sem perder as raízes. Bar da Saudade, segundo ela, simboliza um ciclo de aprendizado — e o remix chega como um brinde à trajetória vivida, abrindo caminho para o novo álbum que vem aí.

Durante os últimos meses, Natashha passou por São João del-Rei, Ouro Preto e Belo Horizonte, apresentando seu repertório autoral. A recepção, ela diz, foi intensa e cheia de descobertas. “Apresentar música autoral é se despir, é se mostrar vulnerável. Cada show teve uma energia única. As pessoas cantando junto, mandando mensagens depois… Cada gesto de acolhimento é um ‘sim’ que me dá força pra continuar.”

Esses encontros, afirma, reacenderam seu desejo de circular mais, levando sua música a novas cidades e espaços. “A beleza dos lugares e o carinho do público me alimentaram. Quero levar esse show ainda mais longe.”

Três Pontas: o começo de tudo

Você descobriu nosso segredo. Esse texto é original do Canal Ultranativo , dê os créditos ao copiar.

Antes das turnês e dos estúdios, houve uma menina que cresceu ouvindo violão ao pôr do sol, em uma cidade que respira música. Natashha fala de Três Pontas com o tom de quem guarda o passado como abrigo. “Sou do tempo do Buxarella, dos sarais na Casa da Cultura, dos encontros com violão e café. Três Pontas me deixou sonhar musicalmente. E é bonito ver tantos trespontanos espalhados por aí, mostrando essa força cultural que a cidade tem.”

Entre lembranças e melodias, a cantora afirma que carrega a cidade em cada verso — seja no aroma do café, na poesia do interior ou na simplicidade mineira que permeia suas composições.

“Pitanga”: o próximo florescer

Mas Natashha não para. Depois de Bar da Saudade, nasce Pitanga, o novo trabalho que está em produção e previsto para 2026. “Pitanga fala sobre doçura e resistência, sobre florescer mesmo depois das quedas. É um álbum mais colorido, mais corpo-terra, com uma estética psicodélica e viva.”

A artista descreve o projeto como um retorno às origens, à infância e à natureza — um mergulho no próprio quintal, onde havia um pé de pitanga que inspira o nome e o sentimento do novo disco. “É sobre o amor mais puro e íntimo, sobre o renascimento de uma Natashha que se reinventou. As músicas têm violões de nylon, percussões e psicodelismo. Vai ser uma viagem sonora e poética para quem precisa reencontrar partes adormecidas de si.”

Depois de Bar da Saudade, o que vem por aí?

Entre o popular e o poético, entre o funk e o violão, Natashha Maria segue traçando um caminho que é só dela — firme nas raízes e livre nas asas. Ela sonha em trazer o show para Três Pontas, cidade que a viu nascer musicalmente. “Tenho planos de apresentar ‘Pitanga’ aí, sim. Se tudo der certo, 2026 vai ser o ano desse reencontro.”

E até lá, o público pode esperar o que ela define como sua essência: verdade, corpo e alma. “A música é minha forma de terapia. Quero continuar explorando fronteiras — entre o ancestral e o futurista, o íntimo e o coletivo — e seguir cantando o que é humano.”

O remix de Bar da Saudade estará disponível nas plataformas no dia 3 de novembro, faça o pré-save através do link: https://tratore.ffm.to/mtgbotequinho

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Voltado para instituições e iniciativas que desenvolvem ações sociais e culturais, o edital destina recursos financeiros a projetos alinhados com os princípios do cooperativismo e da responsabilidade social. E o melhor: fazedores de arte, cultura, educação, meio ambiente, esporte e inclusão social podem — e devem — se inscrever.

Uma chance de transformar ideias em impacto

A proposta é clara: dar voz, vez e recurso a quem atua nas comunidades com propósito. Se você é artista, educador, coletivo cultural, grupo social ou instituição sem fins lucrativos com sede nas áreas de atuação do Sicoob Copersul, essa pode ser a oportunidade que seu projeto precisa para ganhar fôlego.

Com inscrições abertas até 16 de novembro de 2025, o Edital Social contempla projetos com atuação direta nas áreas de:

• Cultura e Artes
• Educação e Cidadania
• Esporte e Lazer
• Inclusão e Direitos Humanos
• Meio Ambiente e Sustentabilidade

Oportunidade para os fazedores de arte trespontanos

Para os artistas de Três Pontas, não é só um chamado – é oportunidade real, com recurso garantido, para tirar projetos do papel e ampliar o alcance de suas ações. Grupos teatrais, oficinas culturais, artistas visuais, músicos, produtores independentes e agentes culturais que já atuam com impacto social podem se beneficiar com o apoio do edital.

Com uma curadoria baseada em critérios como relevância social, viabilidade técnica e sustentabilidade das ações, o Edital Social 2026 incentiva a criação de redes solidárias e o fortalecimento das iniciativas locais, ampliando o alcance das ações sociais com responsabilidade e visão de futuro.

Edital Social 2026 – Como participar

As inscrições são totalmente online e podem ser feitas pelo link: https://sicoob.online/SGaWz

Dúvidas ou necessidade de ajuda? Entre em contato com a equipe responsável pelo edital: editalsocial@sicoobcopersul.com.br

Além disso, o regulamento completo do Edital Social 2026, com todas as diretrizes pode ser consultado diretamente no site, garantindo clareza e transparência no processo.

Cooperação que gera impacto

Com mais de três décadas de atuação, o Sicoob Copersul reafirma com esse edital o compromisso de usar a força do cooperativismo para transformar vidas. Ao incentivar projetos locais, o a cooperativa se posiciona como um agente ativo na construção de uma sociedade mais justa, diversa e culturalmente rica.

Em tempos de cortes e dificuldades para quem vive de arte e cultura, o Edital Social 2026 é um sopro de esperança e viabilidade. Uma chance de transformar sonhos em ação, com apoio de quem acredita no poder da comunidade.

Se você conhece um projeto que merece essa força, compartilhe. Se você é esse projeto, inscreva-se. Três Pontas tem talento — e agora tem também oportunidade.

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A canção promete marcar o fim de 2025 e embalar os primeiros passos de 2026 com uma energia envolvente e uma sonoridade que mistura modernidade com a tradição do sertanejo mineiro.

Como nasceu ‘Entre Nós’

Entre Nós é fruto de uma amizade e parceria musical com o compositor Murilo Vinicius Leite Cadina. “Ele acreditava muito nessa música, me ligou, conversamos e resolvemos gravar juntos. Foi tudo feito com muito carinho”, conta Yuri.

Segundo o cantor, a proposta é lançar algo fora do óbvio: “É uma música diferente, com uma batida envolvente. Uma das melhores músicas sertanejas que a gente já fez.”

O videoclipe de Entre Nós foi gravado em Coqueiral, na Usina do Esmeril, fundada em 1951, um dos cenários mais simbólicos do município. A produção e direção ficaram por conta de Raphael Lima, da Subfilm Audiovisual, e as gravações duraram três dias. Para Yuri, o maior desafio foi lidar com as cenas mais intensas: “As partes mais difíceis foram as que exigiam emoção. Jogar sentimento na música, na atuação, isso é o que mais exige da gente”, revela o artista.

Sertanejo mineiro com alma e verdade

Com uma trajetória que começou ainda na infância, Yuri carrega na voz a história de milhares de artistas do interior do Brasil. Nascido em Três Pontas em 1992, ele lembra que ganhou o primeiro violão da avó, aos 9 anos, e nunca mais largou o instrumento. Começou se apresentando em escolas, depois em bares — até consolidar sua identidade artística como Yuri Santorini, nome que substituiu o antigo “Maicon Santos”.

“Me defino como sertanejo mineiro porque mineiro faz tudo com carinho, com emoção. E eu canto para agradar quem está do outro lado me ouvindo”, afirma.

Expectativa para o lançamento

Com o teaser da música já circulando nas redes, o público vem respondendo com entusiasmo. “Tenho recebido muitas mensagens, tanto de Três Pontas quanto da região. É muito gratificante ver esse apoio. Quem me conhece sabe da luta”, diz Yuri.

Ele acredita que Entre Nós é só o começo: “Tem mais trabalho vindo por aí. A ideia é lançar um novo álbum com outros parceiros e continuar sonhando com o sucesso.”. O Canal Ultranativo estará atento e acompanhando os próximos passos, mas você pode seguir o cantor pelo Instagram @yurisantorinioficial

Lançamento

A música Entre Nós está disponível no Spotify, Deezer, Apple Music e demais plataformas (clique aqui e acesse todas). O videoclipe você confere abaixo!

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Produzida artesanalmente e premiada em concursos anteriores, a Divina Cana foi indicada ao Prêmio Cumbucca como símbolo de excelência, sustentabilidade e identidade gastronômica. A marca, fundada por Paulo Sérgio Rodrigues, tem conquistado admiradores dentro e fora do país com sua proposta de unir técnica, memória e propósito em cada garrafa.

Mais do que uma bebida, a Divina Cana é uma experiência sensorial que começa na terra, passa pelo fogo do alambique e chega à mesa com sabor, alma e verdade. Para saber mais sobre essa produção, o Canal Ultranativo conversou com Paulo Rodrigues.

Um sonho que virou referência

“A ideia nasceu de memória”, conta Paulo. “Cresci em Itabirito, entre Ouro Preto e Belo Horizonte, e meu pai me levava a engenhos antigos. Ele sempre contava histórias do meu avô, que produzia açúcar artesanalmente. Guardei o som da moenda, o cheiro da cana esmagada, a umidade do engenho.”

Anos depois, ao montar o primeiro alambique, ele percebeu que não se tratava de um hobby — mas de dar continuidade a um legado familiar. “Era um resgate. Uma forma de transformar lembrança em propósito.”

O primeiro equipamento da Divina Cana foi feito de forma bem artesanal para o Hércules Cristo, artesão trespontano conhecido por consertar tachos de cobre e alambiques em toda a região. “Fiz cachaça um ano nesse alambique e vi que eu gostava tanto daquilo que fui me preparar”, relembra. Na sequência, Paulo concluiu especialização em boas práticas de produção de cachaça e, já no ano seguinte, passou a operar um alambique Santa Efigênia, de padrão industrial — um salto técnico que trouxe regularidade, segurança e controle fino de processo.

Com quatro anos de estudos em Química, Paulo adaptou o conhecimento acadêmico ao ofício do alambique. “Entender a fermentação, o aquecimento do mosto e o ponto ideal de corte foi essencial para criar o estilo da Divina Cana: artesanal, mas preciso.”

Mitologia, energia e personalidade

Cada rótulo da Divina Cana carrega uma força simbólica. “Tudo na cachaça tem energia: o fogo, o tempo, a madeira, o descanso”, explica Paulo.

• Júpiter: extra premium, envelhecida por três anos em carvalho americano e francês — premiada como Melhor Cachaça de Minas pela EMATER.
• Febo: passa por Amburana e Jequitibá-Rosa, com notas aromáticas.
• Netuno: a prata, de frescor e leveza.
• Vulcano: a força do fogo do alambique.
• Minerva: a sabedoria do tempo, envelhecida em jequitibá-rosa, com sutileza de madeira e uma picância agradável; pensada também para coquetelaria, a Minerva sai a 44% de álcool, enquanto os demais rótulos permanecem a 40%.

“Esses nomes mitológicos expressam a espiritualidade do processo e o respeito pela matéria-prima”, resume.

Prêmio Cumbucca: gastronomia e identidade mineira

O Prêmio Cumbucca de Gastronomia valoriza produtos, chefs, produtores e marcas que mantêm viva a tradição e a inovação da cozinha mineira. A premiação combina avaliação técnica e voto popular, reconhecendo iniciativas que transformam sabores em cultura.

É neste cenário que a Divina Cana se destaca: não apenas como cachaça, mas como símbolo de uma gastronomia que celebra território, memória e sustentabilidade. “A gastronomia é memória, território e experiência — e a cachaça carrega tudo isso”, explica Paulo. “Quando um chef escolhe trabalhar com uma cachaça artesanal, ele não está apenas servindo uma bebida. Ele está valorizando cultura e identidade mineira.”

A marca já teve destaque em concursos como o Rabo de Galo, em Minas e São Paulo, com bartenders criando drinques autorais usando a cachaça trespontana. “Esses eventos ajudam a mudar a percepção da cachaça, colocando o produtor artesanal no mapa da gastronomia brasileira”, completa.

Agora, com a indicação ao Prêmio Cumbucca, a Divina Cana reafirma seu lugar entre as marcas que levam Minas ao mundo com sabor e autenticidade.

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Sustentabilidade e propósito

Na Divina Cana, a sustentabilidade vai além do discurso. “Produzir cachaça é expressar valores”, diz Paulo. “Usamos energia solar, reaproveitamos o bagaço e reduzimos o uso de lenha. Isso não nasceu de marketing, mas de coerência. O consumidor sente quando o produto é verdadeiro.”

Esse compromisso com o meio ambiente reforça o papel da marca como exemplo de empreendimento artesanal responsável e inovador — o tipo de iniciativa que o Prêmio Cumbucca busca valorizar.

“Tradição não é repetir o passado, é entender o porquê dele”, afirma Paulo. A marca combina processos manuais e tecnologia limpa para manter o equilíbrio entre tradição e modernidade. “A máquina mede, mas quem sente é a gente. Produzimos micro lotes, respeitando o tempo e o propósito de cada madeira. Nosso crescimento é em significado, não em volume.”

Para 2026, a Divina Cana prepara edições limitadas especiais, explorando ao máximo a maturação em diferentes madeiras e o conceito de terroir mineiro.

Três Pontas, a nova rota da boa cachaça

Três Pontas já é conhecida pelo café, pela música e pela hospitalidade. Agora, com a Divina Cana, o município também se destaca no turismo sensorial e gastronômico. “A Divina Cana é parte da Rota do Café e do turismo cultural da região. Recebemos visitantes de várias partes do Brasil e de fora, interessados em acompanhar o processo, sentir o cheiro da cana moída e o calor do alambique. Não mostramos só um produto, mostramos um jeito mineiro de existir”, diz o produtor.

Entre os lançamentos recentes, a Divina 165 celebra os 165 anos da cidade — uma edição que traduz o orgulho trespontano em forma de sabor.

Responsabilidade e confiança

Em um momento delicado para o setor, diante das discussões sobre contaminação por metanol, Paulo reforça a importância da procedência e da fiscalização. “É essencial que o consumidor compre de marcas registradas e fiscalizadas. A responsabilidade é de todos. A Divina Cana sempre foi transparente e segue rigorosamente as normas. Nosso compromisso é com qualidade e segurança.”

Mais que um prêmio: um reconhecimento de identidade

A indicação ao Prêmio Cumbucca de Gastronomia é mais do que uma chance de troféu — é o reconhecimento de um trabalho que representa o melhor de Minas: a união entre arte, ciência e afeto.

“A Divina Cana é feita devagar, com mão, com atenção e com orgulho. Ao votar, você está escolhendo um produto que respeita a origem, valoriza o território e traduz a verdadeira mineridade”, conclui Paulo Rodrigues.

Vote agora na Divina Cana no Prêmio Cumbucca de Gastronomia 2025 e ajude Três Pontas a mostrar que o sabor mineiro também é sinônimo de excelência.

Fotos: Mapa da Cachaça

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Mas antes do palco e do microfone, veio a saudade. “Parece que perdi uma parente muito próxima”, conta Amanda, sobre o impacto da morte de Marília. A conexão entre as duas artistas sempre existiu — ainda que à distância. “Marília sempre foi uma das minhas maiores inspirações. Me vi muitas vezes nas letras dela”, confessa. O projeto nasceu assim, de forma orgânica, como quem escreve uma carta para alguém que partiu cedo demais, mas deixou um legado eterno.

Amanda Rissi canta Marília Mendonça – um show para rir, chorar e cantar junto

No palco, Amanda entrega uma performance emocionante, com arranjos que respeitam a essência das canções da Marília, mas com a marca registrada da artista trespontana em cada nota. “Tem muito respeito, mas também muita entrega pessoal. A Marília defendia a autenticidade — e eu trago meu jeitinho em cada interpretação”, explica.

O repertório do projeto Amanda Rissi canta Marília Mendonça foi escolhido com cuidado: Alô Porteiro, Infiel e De Quem É a Culpa são algumas das que mais arrepiam Amanda. Mas quem já viveu uma sofrência vai reconhecer muita coisa no palco — inclusive os próprios sentimentos. “Quem nunca cantou com os amigos, tomando uma, depois de um término?”, brinca. “É um show pra rir, pra chorar, pra curar e pra se entregar.”

De Três Pontas para o mundo

A história musical de Amanda começou ainda na adolescência, com um par de fones de ouvido inseparáveis e uma paixão pela música que não cabia nos cadernos da escola. “Nunca gostei de estudar (obs: não façam isso em casa kkkk), mas quando minha mãe me colocou na aula de violão, tudo fez sentido”, relembra. Ao ganhar o primeiro instrumento, soltou a frase que viria a se tornar profética: “Eu ainda vou cantar nos barzinhos e ser uma cantora que todos vão querer ter nos seus eventos.”

Hoje, ela vive esse sonho com pé no chão e voz no coração. Superou os desafios que toda artista do interior conhece bem — palco improvisado, dúvidas, caminho incerto. Mas cada show lotado, cada aplauso e cada mensagem de carinho do público reforçam que vale a pena. “A vida artística exige persistência, fé e muito amor pelo que se faz.”

Além do tributo, Amanda prepara novidades. Vem aí o lançamento da música “Aquela Sua Pegada”, uma composição de Dalcimar, artista de Pouso Alegre. “É daquelas músicas chicletes, sabe? Que grudam na cabeça. Tô animada pra mostrar essa também”, adianta.

Esse é só o começo de uma nova fase: com tributo, com música autoral e com muita vontade de crescer.

Show disponível para contratação

O espetáculo “Amanda Rissi canta Marília Mendonça” já está disponível para bares, festas, eventos e casas de show. “Montamos uma banda reduzida, mas com pegada forte. Escolhi a dedo os músicos, é uma galera pra cima, que sente a música junto comigo”, conta.

Contratantes interessados para o projeto Amanda Rissi canta Marília Mendonça, ou outros shows da cantora, podem entrar em contato pelo WhatsApp (35) 99923-8548 ou no Instagram da artista: @amandarissicantora.

“Quero convidar todos que amam as músicas da Marília a viver essa experiência comigo. Vamos cantar, sentir, relembrar…”, convida Amanda, com a emoção de quem leva a música a sério e o público no coração. “Esse show é uma celebração da mulher, da força, da dor e do amor. É sobre tudo aquilo que a Marília fazia a gente sentir. E é de verdade.”

Prepare-se para uma noite de vozes unidas, corações apertados e uma homenagem feita com tudo o que Marília merecia: respeito, emoção e uma mulher gigante no palco. Porque como Amanda Rissi sabe bem — a rainha da sofrência vive em cada nota.

Veja abaixo Amanda Rissi interpretando a música ‘Alô Porteiro’

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“Tem gente que nasce vaso de honra. Eu fui vaso quebrado. Mas Deus me refez.” É com essa convicção que Igor Henrique Vicente Goulart, conhecido artisticamente como Diguinho Du Rap, lança sua mais recente música — e talvez a mais profunda —: O Vaso Quebrado. Em forma de oração, rap e confissão, o artista trespontano transforma feridas antigas em versos de redenção. O Canal UltraNativo conversou com ele para entender o que há por trás dessa obra que toca pela verdade.

“O vaso nas mãos do oleiro”

A inspiração da música veio de um lugar familiar a Diguinho: o banco da igreja. “A ideia nasceu através de uma pregação. A palavra pregada falou forte comigo e resolvi escrever a música baseada na minha história”, conta. A referência direta está em Jeremias 18:1-6, trecho bíblico que compara o ser humano a um vaso de barro nas mãos do oleiro — metáfora de Deus. Se quebrado, só o oleiro pode moldá-lo de novo.

Foi exatamente isso que aconteceu com ele. “Essa canção fala de um tempo em que me perdi no mundo dos vícios e da depressão. Quero alcançar quem vive hoje o que eu vivi. Mostrar que há saída.”

Do sofrimento à melodia

A composição de O Vaso Quebrado foi feita em 2024, mas apenas em 2025 ele conseguiu tirar o projeto do papel. A produção ficou por conta de Jonathan Gleyser, do Gorilla Lab Studios, que abraçou a música com arranjos de violão, piano e emoção à flor da pele.

A voz doce e potente da cantora Aline Lauriano — já parceira de Diguinho no single A Oração — completa a força espiritual da canção. “A Aline tem um canto que toca a alma. Quando ouvi ela cantar na igreja, pensei na hora em convidá-la. Ela é essencial nesse projeto.”

O clipe, por sua vez, foi gravado em um lugar repleto de significado: o Cruzeiro, em Três Pontas. “Era onde eu usava drogas, chorava sozinho, e também onde cresci. Hoje volto ali para mostrar que é possível vencer.”

Quando a mãe chora de orgulho

A resposta do público tem sido comovente. Amigos, jovens, fiéis e até desconhecidos escreveram dizendo que a música os tocou profundamente — alguns, motivados a se reaproximar de Deus. Mas nenhuma reação foi tão marcante quanto a de sua mãe: “Ela me mandou mensagem dizendo que chorou muito. Mas agora foi de alegria. Porque quem um dia fez ela chorar de tristeza, hoje faz chorar de orgulho.”

Diguinho começou a ouvir rap ainda jovem, em meio a uma vida marcada por dificuldades. Mas foi o rap gospel que o salvou. “Ouvi letras que falavam exatamente da minha dor. Vi que era possível mudar.”

Suas influências vêm de nomes como Thiagão, Ao Cubo e Expressão Ativa. Na fé, ele se inspira nos ensinamentos da Igreja Universal — “uma escola que me ensinou tudo sobre a Palavra”.

Com dois singles já lançados (A Oração e O Vaso Quebrado), ele planeja mais quatro músicas para breve. Todas carregam a mesma missão: “Meu sonho é poder salvar almas com a música. Viver disso e ajudar outras pessoas. Dar uma vida melhor para minha família e mostrar que é possível.”

Um rap com identidade trespontana

Três Pontas aparece não só no cenário do clipe de O Vaso Quebrado. Aparece no sotaque, na vivência e na alma do artista. “É meu lar. E se um dia Milton Nascimento levou nosso nome ao mundo, eu quero também fazer isso — com o rap, com fé e com verdade.”

Hoje, “o vaso quebrado” se transformou em vaso de honra. E, ao olhar para trás, Diguinho deixa um recado ao jovem que um dia se afundou: “Não perca mais tempo. Se lança nas mãos do Oleiro. Ele pode te restaurar.”

Assista O Vaso Quebrado no Youtube, compartilhe e siga o artista:

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No meio da pandemia, em uma casa silenciosa na Paraíba, um homem redescobria a própria voz. Leonardo Margutti, compositor mineiro com carreira sólida na música de concerto e formação internacional, se viu diante de um ukulele — comprado despretensiosamente para a sobrinha. Ao tentar ensiná-la, percebeu que, apesar das lesões que o afastaram da performance por mais de duas décadas, ainda conseguia tocar.

E mais que isso: a música popular, guardada no peito desde sempre, queria finalmente ganhar som.

Foi nesse cenário íntimo e inesperado que nasceu Claro, disco lançado por Margutti no dia 27 de junho. Um álbum artesanal, com 11 canções compostas a partir dos poemas da escritora Clara Baccarin, e que marca uma virada estética e emocional na trajetória do artista.

O Canal UltraNativo conversou com Leonardo Margutti para saber mais sobre esse reencontro com a música, o desafio de musicalizar poesia livre, a superação física e o diálogo entre erudito e popular. O resultado é uma conversa sobre o tempo, o corpo e o desejo — com a mesma profundidade que ouvimos nas notas do disco.

De Milton a Schubert, de Clara a claro

Leonardo, que estudou composição na UFMG e concluiu mestrado e doutorado em Londres, já teve peças tocadas pela Filarmônica de Minas Gerais e atuou como professor universitário. Mas nada disso o havia preparado para a experiência de compor com voz e palavras. “Foi a primeira vez que escrevi música vocal popular. Tudo começou como um improviso de ukulele, sem nenhuma pretensão. Depois veio a vontade de cantar. De criar. De contar histórias”, diz.

Foi então que conheceu os poemas de Clara Baccarin, numa pesquisa digital solitária em busca de palavras que sugerissem música. “Achei um poema, compus uma música e mandei pra ela. Clara gostou e me autorizou a fazer outras. Começou aí um processo de anos, lendo seus poemas e compondo devagar, no tempo que a vida permitia.”

O nome do disco, Claro, faz referência à poeta, mas também é uma metáfora: “Depois de todo o meu percurso, ficou bastante claro o que eu queria fazer a partir de agora”, afirma. Segundo ele, a clareza também se manifesta nas melodias acessíveis e emocionais, ainda que sustentadas por arranjos técnicos e complexos.

Um samba progressivo?

É difícil classificar Claro. Leonardo arrisca um termo: samba progressivo. “A base rítmica vem do samba, mas há pitadas de jazz, rock, até música barroca. Tem contraponto, tem improviso. Mas o que une tudo é uma espécie de sinceridade sonora. Fiz aquilo que sou.”

As referências? “Stevie Wonder dos anos 70, Steely Dan, Schubert e… Milton. Sempre Milton.” Margutti menciona o disco Minas como ponto de partida afetivo: “Foi minha primeira imersão na música brasileira. Essa fusão entre o erudito e o popular sempre me encantou.”

O disco que nasceu das mãos — e da dor

Por trás das faixas, há também uma história de superação física. Aos 21 anos, Leonardo sofreu lesões que o impediram de continuar tocando violão e guitarra. “Abandonei tudo. Foi uma dor imensa, uma espécie de luto”, conta.

Mas com paciência, estudo e adaptações (como instrumentos com escalas menores), ele foi voltando. “Gravar esse disco foi como reencontrar um amigo de infância. Toquei guitarra depois de 25 anos, aprendi baixo do zero, voltei a soprar flauta… tudo isso me emocionou profundamente.”

Leonardo fez tudo: compôs, arranjou, tocou, gravou, mixou. A estrutura do disco remete ao ciclo de canções da música erudita, como os de Schubert, mas executado com o espírito do improviso. “Nada foi decorado. Eu criava o arranjo no piano e depois improvisava os diálogos com guitarra, baixo, vocais… era tudo orgânico, intuitivo.”

O resultado é um disco coeso, sem faixas soltas, pensado como uma experiência contínua. “Não tem single. É uma narrativa em música.”

Entre Três Pontas e Londres: um piano mineiro

Leonardo Margutti não nasceu em Três Pontas — mas foi ali, entre as montanhas do sul de Minas e o silêncio das manhãs no bairro rural, que muito do disco Claro ganhou forma. Seus pais, o filósofo Paulo Roberto Margutti Pinto e a bióloga Maria Elizabeth Bernardes Margutti Pinto, vivem na cidade, e foi na casa deles que Leonardo encontrou o refúgio criativo necessário para esse mergulho musical. “Ali está meu piano. Um instrumento simples, acústico, sem sofisticação — mas cheio de história. Foi nele que muitas das bases harmônicas do disco nasceram”, conta.

Ao lado dos cafezais e dos quintais largos, o compositor passou longas temporadas pensando, escrevendo, testando melodias e harmonias. A influência da paisagem é perceptível: Claro tem respiros, tem pausa, tem contemplação. É um disco que não tem pressa — e talvez por isso tenha sido gestado ao longo de cinco anos.

Mesmo com uma trajetória que inclui formação internacional em Londres, onde foi doutorando e professor assistente no King’s College, Margutti mantém um vínculo emocional profundo com Três Pontas. “A cidade respira música. Desde menino eu ouvia falar da Ummagumma, do Wagner Tiso, do Milton. E, ao estar fisicamente ali, compreendi melhor o que isso significa. Existe uma musicalidade no ar — e eu quis que isso estivesse no disco.”

Para ele, gravar Claro entre Londres, Paraíba e Três Pontas é também um símbolo da própria jornada artística: “É o disco que costura minhas vivências. O rigor acadêmico do conservatório, a liberdade do improviso, o silêncio do interior e a força das raízes.”

As faixas favoritas? Cada uma tem sua história

Quando perguntado sobre uma faixa que resuma o espírito do disco, Leonardo hesita. “Cada música é uma vivência. Mas talvez ‘Macerar a vida’, que é a preferida da minha mãe, diga muito sobre o tom do projeto. Ou então o trecho ‘Não dá mais tempo de pesar pelo que o tempo ainda não deu conta’, que simboliza um momento de virada.”

A capa do disco, criada pelo Pedro Couto, nasceu de uma foto que Leonardo amava. “Queria que parecesse uma pintura de verdade. Com pinceladas visíveis. O projeto é todo artesanal, sem perfeição. Isso tinha que estar na imagem também. E ficou.”

Hoje, o quadro está pendurado na sala dele — como símbolo de um trabalho que une música, poesia e imagem num mesmo gesto de afeto.

E agora?

Por enquanto, Claro está disponível para streaming. Mas apresentações ao vivo não estão descartadas. “Ainda não pensei nisso profundamente, mas acho que com o tempo o disco vai aparecer em diferentes contextos. Montar uma banda pra tocar tudo seria incrível.”

Um disco que não pede rótulo, mas pede escuta

Claro é um disco para ouvir com atenção. Não porque seja difícil — mas porque é honesto. É delicado sem ser raso. É técnico sem ser exibicionista. E, sobretudo, é humano. Como Leonardo mesmo define: “Não é um disco que pretende encaixar em uma estética. É uma busca por sinceridade. Uma espécie de reencontro. Um processo de clarear.”

O Canal UltraNativo agradece imensamente ao Leo Margutti por essa conversa generosa. Você pode ouvir o disco “Claro” nas plataformas digitais clicando aqui, ou abaixo.

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A proposta vai ao encontro da Lei Federal nº 14.718/2023, que já havia declarado as Rotas do Café como monumento nacional, consolidando o café não apenas como produto econômico, mas como parte do patrimônio imaterial brasileiro. Com isso, o café mineiro ganha força como símbolo cultural, vetor de desenvolvimento e convite ao turismo rural.

Três Pontas no coração da Rota Cafés do Sul de Minas

No Sul de Minas, região que é a maior produtora de café do mundo, Três Pontas se destaca tanto pela tradição na lavoura quanto pelo avanço em experiências turísticas ligadas ao grão. No novo roteiro oficial da Rota Cafés do Sul de Minas, que inclui cidades como Cambuquira, Caxambu, Baependi, São Lourenço e Cruzília, o município é representado pelo Paiol Café Boutique, um espaço que reúne história, hospitalidade e vivência rural.

Localizado na zona rural trespontana, o Paiol é muito mais que uma cafeteria: é uma imersão no universo do café especial. Os visitantes podem saborear pães de queijo, queijos locais, bolos caseiros e geleias artesanais, além de participar de visitas guiadas que mostram desde o cultivo até o processamento dos grãos. A experiência encanta turistas do Brasil e do mundo e fortalece a vocação de Três Pontas como polo da cafeicultura sustentável e do turismo rural.

Valorização do café como identidade e futuro

Com a aprovação do projeto na Assembleia, a expectativa é que o café mineiro passe a receber mais investimentos em áreas como formação profissional, promoção cultural, infraestrutura turística e preservação do patrimônio rural. “Valorizar as rotas do café é valorizar quem acorda cedo, quem cuida da terra, quem transforma grão em futuro”, destacou a deputada Maria Clara Marra ao defender a iniciativa.

Além do Sul de Minas, outras três grandes regiões foram incluídas no reconhecimento oficial: Cerrado Mineiro, Zona da Mata/Caparaó e Serra da Canastra. Cada uma representa um estilo de produção e um conjunto único de tradições, sabores e paisagens.

Um impulso para o turismo e o desenvolvimento local

A aprovação do projeto também caminha em sintonia com o Projeto Diversifica, iniciativa da Secretaria de Estado de Cultura e Turismo (Secult-MG) em parceria com o Sebrae, que promove novas rotas turísticas temáticas como a do café, do queijo e da cachaça. Durante o Festival de Turismo de Gramado (Festuris), foram lançados oficialmente os roteiros que agora estão sendo incorporados ao planejamento estratégico do estado.

Para o vice-governador Mateus Simões, o reconhecimento das rotas do café é um passo essencial para ampliar a capacidade de recepção turística em Minas. “Essas rotas já existem. O que estamos fazendo é potencializar, qualificando a mão de obra e organizando experiências que possam ser oferecidas com mais excelência ao turista”, afirmou.

Rotas do Café: símbolo de identidade e transformação

A rota reconhecida pela nova lei envolve mais de 60 municípios ligados à produção, história e cultura cafeeira. Além de Três Pontas, cidades como Cambuquira, São Lourenço e Patrocínio representam a diversidade da cafeicultura mineira, que vai da agricultura familiar ao cultivo de precisão com alta tecnologia.

Minas Gerais é responsável por 46% da safra nacional de café, com cerca de 22,1 milhões de sacas por ano, segundo a Secretaria de Estado de Agricultura, Pecuária e Abastecimento (Seapa). Esse peso econômico agora ganha reforço simbólico e cultural, com a possibilidade de o modo mineiro de produzir café ser reconhecido como Patrimônio Histórico Nacional.

Turismo com identidade, sabor e afeto

Em Três Pontas, o turismo do café não é apenas sobre visitar lavouras: é uma experiência completa que conecta pessoas, história, sabores e afetos. E com o reconhecimento das rotas do café, a cidade entra de vez no mapa do turismo de experiência do Brasil, reforçando seu papel como referência em qualidade, tradição e inovação no setor.

Para quem vive, planta e cuida do café, a notícia representa não apenas visibilidade, mas também novas oportunidades. E para quem visita, é o convite perfeito para descobrir — xícara a xícara — o sabor de um território que cultiva café com alma.

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